毕加索的画到底好在哪里

毕加索的画开创了一个时代！我可以用简单点的话来给大家解释一句：艺术是传达美的，自文艺复兴以来西方绘画都是以立体为美的，突然有一天一个怪才，从各个角度观察对象，最后平面的把他拼凑到一张画里。
难道这么一个开创者不是天才吗？
肯定牛啊，所以他的作品就贵了。
PS：他的作品好不是说他的颜色好，或者线条很严谨，他的作品好是时代性大于作品本身，用大家经常说的话来说：第一个这么干的人是天才，后面的跟随者都是蠢材。
在原始社会，发明一把石斧都是天才，而现在……在当今社会，大家可能看见一些平面的图案认为是美的。
貌似司空见惯了，当是你们知道这种司空见惯，在19世纪末，20世纪初那会是不太可能。
这也是那些现代主义艺术先驱们的贡献，所以别再诽谤毕加索、塞尚他们了，他们真的很伟大。
毕加索写实功底很强毕加索其实十几岁的时候在传统绘画上就有不俗表现。
从七岁开始，毕加索就接受了父亲在绘画方面的正式艺术训练。
他爸爸就是一位传统画家。
下图是毕加索15岁画他母亲的肖像，非常写实。
立体主义大家观察他的作品的时候其实可以当作一个”找不同“游戏来玩，面对他的一幅作品，你可以找一找，哪些区域是描绘的模特的正面，哪些又是描绘的模特的侧面，以及后面。
或者说把他的作品当作一张剪切画来欣赏也可以了。
他的立体主义彻底否定了文艺复兴时期以来三度空间为主要目的的传统绘画，抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，舍弃画面的纵深感，而把体量感或立体感统统去除掉了。
这是一件了不起的进步。
亚威农少女这张画是立体主义的开山之作，是立体全面转化为平面的开始。
这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。
强化变形，其目的也是增加吸引力。
毕加索放弃文艺复兴时期的三维空间，展开了他的空间实验，而是呈现了一个完全平坦的画面，它被分解为几何碎片。
例如，左边那个女人的腿被画成好像是从几个角度同时看到的; 很难将腿与周围的负空间区分开来，使得它们看起来好像两者都在前景中。
毕加索开创的这种立体主义的造型方法，就是要通过画面同时表现人（有脸有背）的所有部分，而不是象传统画法那样以一个固定视点去表现形象。
这是一种进步。
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参考：
很高兴回答你问的问题。
你提的这个问题也是我以前想问的问题，那时对毕加索了解很少，他的作品在中国展出的也很少，到是在报刊上和网络上介绍作品的很多，然而系统介绍作品却很少。
自从我2019年1月份到澳大利亚的阿德来德美术馆看了毕加索线描展后，对毕加索有了更近一步的认识。
毕加索不愧为二十世纪创造历史的风云人物，一个具有绘画天才的伟大画家。
我从看毕加索线描展说起。
首先，毕加索的勤奋和坚韧不拔的意志，超越了当时的所有画家，甚至于现在的画家们也没有人超越。
这一点是受到人们尊敬和学习。
就素描作品有七千幅之多，在阿德来德美术馆系列展出的线描作品就六千幅之多，他的充沛的精力让人佩服！第二，毕加索的创作精神，为世界树立了榜样，也是他的画非常好的最主要原因。
六千幅作品以造型简练、线条奔放、有动感、有节奏感的表现。
让观者赞叹不已！有了毕加索让西方画家们看到了东方艺术（线）表现的威力。
六千幅作品，表达一个认知的完整性和风格的多样性让你流连忘返！我连续看了三天，我依依不舍的离开。
第三，毕加索的线描展览，展示板上是这样描写的毕加索作画情景的＂作画对他是这样的出诸本能和毫不费力。
没有深思熟虑，也没有焦急不安，只有一只手象鸟儿飞翔一样自然地挥动着＂。
这种轻松娱乐心情来作画，使他作品更加迷人。
总之，毕加索是二十世纪最伟大的画家，他给世界人们留下了大量的宝贵的艺术财富！
1881年，毕加索出生于西班牙，他是个绘画天才，幼年时就开始画画，早期的作品为传统的写实主义画风，他的一幅《姑妈佩帕的肖像画》被当时的艺术评论家誉为“整个西班牙艺术史里最棒的画作之一”，那年他才十四岁。
二十世纪的法国是西方优秀画家的聚集地，自然也少不了毕加索，但毕加索并没有参加任何画派，他只忠于自己的画风，自由而任性，从自然主义到表现主义，从具象到抽象，无拘无束 。
当年野兽派的马蒂斯看了毕加索的画，评价说“不过是一些立方体”，后来有评论家说这种画是把一切都浓缩在立方体里，于是这种画风就被称为“立体画派”。
毕加索的画动则几个亿，他的画好在哪里呢？
这个问题真的不是几句话能说清楚的，有很多大学和艺术研究机构都在探讨这个问题，我们也只有不断地学习才能提高自己的鉴赏力，或许有一天我们能看懂这个让世人惊叹的毕加索。

参考：
了解作品背后的故事，才是读懂艺术的第一步。
作品背后的故事往往才是作品的价值所在！《亚威农少女》立体派的开山之作，彻底颠覆了文艺复兴时期的传统绘画。
这幅画不仅标志着毕加索个人艺术历程的重大转折，也是西方艺术史的一次革命性突破。
《两个小孩》画的是毕加索与情人吉洛特所生的一儿一女，这幅作品从完成到毕加索去世，一直悬挂在书房的显要位置，是作者本人心爱的作品。
虽然毕加索一生再未与母子三人相见，这幅画却成了他感情的寄托。
《拿烟斗的男孩》这幅油画背后有一段感人的收藏故事。
《拿烟斗的男孩》被犹太巨富格奥尔收藏，儿子斯蒂夫和世交霍夫曼女儿贝蒂从小青梅竹马，贝蒂画的一幅素描就是手拿父亲烟斗站在《拿烟斗的男孩》前的斯蒂夫，作为圣诞礼物送给了斯蒂夫。
二战的爆发硬生生拆散了这对情侣。
战后贝蒂返回德国寻找斯蒂夫一家人的下落，可却了无音讯，伤心的离开了德国，1949年嫁给了别人。
1950年伦敦拍卖会上出现了这幅画，贝蒂以2.8万美金拍得收藏。
15年后斯蒂夫又出现在贝蒂的面前，贝蒂想要把画归还给斯蒂夫，遭到拒绝。
2003年，贝蒂的后人决定将此画拍卖，最终以1.04亿美元的天价成交，这位神秘的收藏家正是斯蒂夫本人。

参考：
疯子画，画的很脏，作者心理素质不健全！！！
参考：
到底好在哪里？
这句话有省略的比较成分，我们扩展开来应是与谁谁相比，毕加索的画到底好在哪里？
说实话这是一个相当考验人的问题，笔者第一次看到毕加索画时也是抱有如此的疑问。
尤其是把毕加索的画与讲求精细的古典派、学院派相比较时。
比如维米尔的《戴珍珠耳环的少女》是这样的。
而毕加索的《坐着的浴女》是这样的。
两相对比之后，我们发觉毕加索的画常常比维米尔的还要值钱，我们必然会禁不住要问，why？
现实于绘画的羁绊当拿破仑三世向库尔贝的一幅油画举起鞭子，当德皇威廉二世因他的国立美术馆馆长买了太多的现代绘画而解雇他时，他们是洞悉事理的。
因为，当艺术更新的时候，我们也必须随之更新。
我们与我们所处的时代有一种休戚相关之感，有一种与之分享和被强化的精神力量，这正是人生所应贡献于时代的最令人满意的东西。
这是约翰·拉塞尔《现代艺术的意义》开篇的第一段话。
它开诚布公地点明了艺术的更新，以及我们的随之更新这一重要之处：艺术是发展的，人的思想亦随之发展。
但皇帝们通常不需要人民的思想发展，他们希望他们永远留在过去。
更进一步地，当奥匈帝国皇帝弗朗茨·约瑟夫命令他的马车夫绝不要把马车从阿道夫·卢斯设计的新的和毫无装饰的大楼前经过时，他对此具有超人的预见力。
他了解柏拉图所知道的：艺术的状况是与社会的状况是密切相关的；
当艺术的规则变化时，社会的法规也很可能随之而变化。
我们今天所熟悉习惯的毫无装饰立面的现代建筑并非一蹴而就的，是许许多多现代艺术家、现代建筑师毕生努力的结果。
再回到毕加索的绘画中，我们可以认识到毕加索的艺术生涯其实是分了好几个阶段，但通常认为，毕加索的艺术对于人类的最大贡献还是来自于他最后的现代主义那阶段（包含立体主义时期与超现实主义时期）。
重构现实毕加索在他现代主义时期画了非常多的画，但从艺术评论家的角度看，他现代主义时期最重要的一幅画莫过于《亚威农的少女》了。
通过这幅画我们不仅可以看到后来闻名于世的立体派的影子还可以看到毕加索自身思想的挣扎反复。
若我们从传统、直率的结果来判断，《亚威农的少女》不但算不上一幅杰作，甚至它还可被认为是一幅失败的作品，关于这点认识，不仅是后人所思所想，毕加索本人也并非没有做此一想。
因为这幅画完成后，它就被毕加索倒置着放在他画室里最不待见的一角，一放就是好几年。
从亚威农少女的源头来看，与鲁本斯《帕里斯的裁决》一画有关。
因它的主题与学院派常见的主题一致 - 美女展览。
从现代艺术的角度看，《亚威农的少女》一画之所以成为毕加索现代画作的里程碑主要在于它追逐了毕加索的心路历程，伴随着亚威农少女的创作，毕加索一步步从他之前各个时期的艺术理念中走出，最终走向了现代主义。
然而，毕加索后来又把该画作撇在一边，又说明了毕加索本人的矛盾心理。
《亚威农的少女》一画中，我们初次见到了后来现代艺术所常见的对于所见现实的重构，即现代画家不再是画眼中所见的事物，而是画思想中见到的事物，也即形而上所看见的艺术表达。
立体派最主要的特点就是用相互平行的尖锐的四边形来构造事物，这些抽象的四边形把现实事物分割之后再重组，而重组中就蕴含了画家本人对于客观事物的观察与思考，这就是现代艺术的再重现意识的意识。
因而，我们可以这样认为，好在哪里关键在于阅看者从那个角度看，从传统意义上来看，似乎是失败的作品；
若是从现代主义的角度看，《亚威农的少女》更像是现代艺术的白鲸：那传奇般的巨物，我们或迟或早都要向它妥协。
最终，我们不也都是妥协了吗？

参考：
简要提两个标签。
现代派与现代主义包罗万象的标签。
我写里尔克的论文时需要观照这个标签，写关于阐释学的文论论文时需要
然而对于每个人文领域的学者，这个标签几乎都有着截然不同的具体含义。
“现代主义”与这个题目相关的一些含义：回到窗框前面来；
西班牙著名的艺术理论家奥尔特加 加塞特曾称现代艺术的要素是提醒观者退回到几百年来一直作为“窗框”而存在的画框前面来。
文艺复兴以来的西方视觉艺术传统是一种写实主义的“致幻”传统。
不论是建筑、雕塑还是绘画，一切都是符号（能指），一切都有指称（所指）。
而现代艺术——不管是认为从库尔贝（Courbet）起始，是从印象派起始，还是从塞尚起始——则是提醒人们这些视觉艺术的符号媒介本身。
画框不再是窗框，而变成了镜框。
我们不再被诱骗着走进画框，进入一个三维的“虚构现实”，而是通过回到符号媒介本身，去思考“现实”到底是否可能，以及如何可能2. 抽象的根据：加赛特的名作《艺术的去人格化》启发了后世许多关于现代派艺术的理论文本。
比如美国艺术史大师列奥 施坦伯格（Leo Steinberg）就曾在他的名作《另类准则》（Other Criteria）里提及这一概念。
他提到了乔伊斯和他的斯蒂芬 达德勒斯，说起乔伊斯曾经拿着第一版的《尤利西斯》高喊：这是我身体的一部分。
“去人格化”在这里是一种广泛的对文艺复兴以来，一直到十九世纪达到顶峰的“人本主义”的反抗：不仅艺术不受制于人的主体，广泛的人的认知也不应该受制于主体的狭隘。
这种想法也不可避免地引向了二十世纪初兴盛一时的现象学。
3. 现象学的影响现象学从胡塞尔开创起就致力于打造一项理论上“最精确也是唯一精确的”科学。
现象学不仅认识到人的认知受限于主体，并且强调一切真实的认知和科学都应该建立在对这一事实的承认基础之上。
这不仅影响了如里尔克的诗歌，也影响了从塞尚以来的整个现代派美术革命。
借用里尔克在《马尔特手记》里的话讲：他们（是指所有现代派的艺术家们）都在彻底地重新学习如何看（lernen zu sehen)。
他们不再试图通过眼睛所接收到的光影信息，按照文艺复兴以来的古典传统，按照一系列的符号对应原则去还原一个个虚构的现实；
他们不再还原，他们
标签：立体主义立体主义最初是和布拉克（George Braque）联系起来。
毕加索后来居上，名气完全盖过了先师。
解释立体主义的文献汗牛充栋，其含义在不同语境下也是截然不同。
并且除了显而易见的立体主义美术以外，还有立体主义诗歌（中国现代诗里就有立体主义派别），也有立体主义音乐，相比于绘画或者雕塑这些空间艺术，立体主义在后面这些时间艺术里的含义和导向，都显得不甚明了。
简言之，对于毕加索而言，立体主义是：通过对画布这个二维媒介的称赞，提醒人们抛弃传统的三维“致幻主义”，用全新的目光去看待艺术一种取消事物彼此价值等级的尝试其中第二条需要解释。
施坦伯格在《另类准则》里最著名的一篇论文当属其分析毕加索的“阿尔及利亚女人”的文章。
他分析了毕加索创作十八幅草稿的心路历程，也向我们充分展示了毕加索通过立体主义技法取消事物“先验”的价值等级的尝试。
简言之，在人本主义的图像传统里，任何事物（作为符号，或“能指）都有一定的已经分配的“价值”，比如这幅典型的十七世纪尼德兰静物画：画里的一切事物都被预先分配了确定的意义与价值：葡萄酒、镜子、桌子、提琴、面包、器皿、乌龟。
它们彼此有着确定的关系，于是也有了确定的价值等级：比如葡萄酒与葡萄酒杯的关系是确定的，而它们一起与镜子中的映像的关系也是确定的，而一切餐具和食物和整张餐桌的关系也是确定的。
画家通过发展了两百多年已经纯熟的透视法技术把这一切价值等级关系打点得清晰明了。
要说“毕加索好在哪里”，自然不是一篇简单的说明文字能够完成的。
有一整个学会和无数大学和研究机构的学者们都在穷尽毕生心力为这个问题贡献一些答案。
我想，我们要做的，就是谦虚一些，带着好奇和敬畏，不断地看，不停地学。
毕竟扩充自己的视域，永远是乐趣无穷的事。

参考：
终于有限的原谅了毕加索，事实上，毕加索的作品往往是美术馆里最丑的一幅。
特别是看到了他十五岁的作品（科学与慈悲），估计谁都会吓一跳。
一个沉闷的午后，一位略微恍惚的年轻母亲，低头默数脉搏的医生，递水杯的佣人与佣人怀里无知的婴儿，阳光无力，场面压抑，平静生活里有一丝看不见的忧伤，毫无意外，它瞬间击穿了你。
（拿烟斗的男孩）可能是个刚会忧郁的男孩吧，不明白为什么情色如此暧昧，学着拿烟斗头戴粉嫩花环，背景如此的花团锦簇，我们为什么要去明白呢？
（马戏团的一家）也是漂泊无依生活中，找了个时间突然想起了短暂的苦涩？
（生命）中那么多的人紧紧偎依，神色迷惘，独独不谙世事的婴儿沉睡不醒，真的是人生哲学？
美得让毕加索吃惊的情人朵儿玛拉的确实美得无法掩盖。
（格尔尼卡）差不多是毕加索的最负盛名的作品了吧，表达的是他家乡被纳粹空军摧毁的场景，以前曾数次对他的凌乱不满。
昨天夜晚，在静的出奇的家乡小村，没有月亮，听不出声音的雨，翻到了它，终于读懂了生命的无助与支离破碎。
后人找出了很多词语来概括毕加索：蓝色时期，玫瑰时期，立体主义，超现实主义......对这些毕加索自己也听不懂的词语，他一概不理，他说他只是画他看到的东西，世人那么多的解读他说他并不知情。
是的，毕加索只是个画家和花花公子，其他的都是外人编造的。
上次有位美院的教授说，他们一样看不懂毕加索的很多画，多么大快人心的话语，普通人就大胆去挑喜欢的吧，也许喜欢毕加索，也许不喜欢，于生活何妨？

参考：
毕加索的画作拍卖值几十万美元一副，有值过千万一副，被富豪购买收藏，可见毕加索艺术画家价值，最出名《埃德蒙.贝拉米画像》，《贝拦米伯爵夫人》，现在难找到真品。
我们外行人根本不懂欣赏，好在那不清楚，送给我都以难保管。

参考：
艺术承载的是对世界的理解和思考，所有艺术作品都存在，针对于形式与内涵两者的探索。
内涵是本质不论文学、绘画、影像、音乐都是是一致的，也就是对同一事物、主题表现可以无限丰富。
这也正是艺术的魅力所在。
然而艺术品本身就是一种很个性化的创造，一千人眼中自然有一千个哈姆雷特。
就毕加索个体来讲，立体派开创方面的成就自然更重要，而其打破传统绘画的形制的创造，是时代所赋予的，想想看现代平面设计图案色彩，若是放在历史任何一时期去使用，会有多不和谐，然而他们又都是脱胎于传统绘画的。
时至今日，窃以为在这里探讨毕加索的意义，更深层次的悲哀是中国的艺术，并没有随时代脱胎出更加能符合世界潮流的新创造。
抑或是因中国为傲的东方文化艺术影响力还不足够，在我们连续接受西方文明洗脑后的人如何复兴东方，这是更加有意义的啊，东方人的审美业已全然西化了，呜呼哀哉！
参考：
你好，亲，很开心一起探讨一下立体主义画家毕加索的作品毕加索的画好在哪里？
个人拙见，毕加索的画之所以经典，是因为毕加索是一位具备创新精神，不断开拓新风格，新手法的画家那么，毕加索的创新精神在画作中有哪些体现？
一毕加索的立体主义绘画，其空间构造，突破了传统绘画，单一的视点观察对象，而是用多视角，多视点来观察表达同一对象荷兰小画派画家维米尔的作品《戴珍珠耳环的少女》，采用的是传统的单一固定的视角描绘对象而毕加索的作品《镜前的少女》，是画家面对同一个对象，用不同视角观察对象，然后组合在一张画面《镜前的少女》，画面左边是镜子外的少女形象，头部由正面和侧面组合在一张脸上，画面右边是镜子正面，镜中少女形象，充分体现了画家采用的多视角观察角度描绘对象多视角多角度地描绘对象，这是毕加索的第一个创新的表现毕加索的众多作品中，都是采用多视角多角度的视点来描绘同一对象二毕加索年少时，接受过正规系统的学院派美术训练，写实功底扎实，画风优雅，例如作品《艺术家的母亲》在《亚威农少女》的创作中，画中的女人体被画家分割成丑陋，怪诞，扁平的几何形体可见画家摈弃了优雅传统的写实手法，把绘画的表现手法拓展成丑陋，怪诞的风格，这是毕加索第二个创新的表现毕加索摈弃了文艺复兴时期，传统优雅的理想美的风格，拓展到以丑陋，怪诞手法描绘画面，如画作《格尔尼卡》，同样以扭曲，怪诞，丑陋的手法揭露战争的残酷三毕加索曾说过：“我能用很短的时间，就画的像一位大师；
却要用一生的时间，去学习像孩子那样画画”毕加索实现了他像儿童一样作画的梦想在毕加索的公牛素描中，最开始由严谨的造型，深入刻画，然后慢慢演变成几何形体，然后是简约的线条，然后最后演变成简单的线条，说明毕加索的风格已经渐渐简单化，儿童化毕加索早年，画风写实，造型严谨，再万年时期，他的画风变得很单纯，平面，色彩稚嫩，形象怪诞夸张，如同儿童画画一样单纯，平面毕加索一生都在探索，开拓，否定自己，创新，最后像儿童一样作画，归于简约，归于平淡，归于稚嫩，他实现了像儿童作画的梦想，这是他第三个创新的表现总结 个人拙见，毕加索的画究竟好在哪里？
体现在他画作中的创新能力，创新思维1他的立体主义绘画，其空间构造，突破了传统绘画，单一的视点观察对象，而是用多视角，多视点来观察表达同一对象2他摈弃了优雅传统的写实手法，把绘画的表现手法拓展成丑陋，怪诞的风格，不断否定自己，开拓新风格3毕加索一生都在探索，开拓，否定自己，创新，最后像儿童一样作画，归于简约，归于平淡，归于稚嫩，他实现了像儿童作画的梦想综上所述，充分说明毕加索的画作好在哪里回答完毕，希望对你有帮助我是艺术狂人，从事美术教育，如有美术方面，美术教育方面的疑问，欢迎私信我，我详细解答欢迎粉丝们，路过的朋友们留言讨论